Andreas Baur Boeken

„Warum fluoreszierende Leuchtfarbe? Zufall. Faszination. Weil sie so intensiv ist. […]“ Diese Worte reflektieren Manfred Kuttners Bekenntnis zu seinem Werk aus den frühen 1960er Jahren. Mit den frisch auf den Markt gekommenen, fluoreszierenden „Plaka“- Leuchtfarben entwickelt er rund 30 geometrisch strukturierte Leuchtfarbenbilder und 15 mit Leuchtfarben bemalte Gebrauchsgegenstände. Hinzu kommen der Film „A–Z“, eine Fotoserie mit Körperbemalungen und das Skript zu einem experimentellen Theaterstück namens „Unfall“. An der Kunstakademie Düsseldorf beginnt er in der Klasse von Karl Otto Götz sich mit informeller Malerei, ZERO und Fluxus auseinanderzusetzen. Im Frühjahr 1963 organisiert er zusammen mit seinen Kommilitonen Konrad Lueg, Sigmar Polke und Gerhard Richter die folgenreiche „Demonstrative Ausstellung“ in der Düsseldorfer Kaiserstraße 31A. Dort wird die so genannte Deutsche Pop-Art begründet und der aus heutiger Sicht mythenumwobene Begriff Kapitalistischer Realismus geboren. 1964 beendet Manfred Kuttner seine künstlerische Karriere und arbeitet in den folgenden Jahren als Werbegrafiker.

Hoël Duret's artistic practice combines fictional stories with real events, forming a visual language based on science fiction, post-apocalyptic cinema, and modernist utopias; the relation­ship between nature and technology is examined against the background of progressive digitalization. The ­installation in the entrance hall of Villa Merkel, for instance, presents a jungle quote embedded in a network of cables. As a result, the proliferating plant-technological organism seems to be engaged in an exchange of information--as though man could not but always control everything, including the growth of plants. Hoël Durets uses an algorithm based on climate data published online to control his artificial ecosystem. This data choreographs in real time the lighting, the vaporization, and the soundtrack of the instal­lation. Scientifically measurable parameters of ­current climate change are thus inscribed into a spatial ensemble oscillat­ing between romanticism and science fiction. This lends the installation a minatory, latently apocalyptic undertone while also reflecting our profound yearning for Arcadia.

Hier und Jetzt Aïcha hat einiges erlebt: Als Adoptivkind nach Frankreich gekommen, ist sie dort in schwierigen Verhältnissen aufgewachsen. Heute lebt sie auf Mallorca und hat sich voller Konsequenz in das Abenteuer Malerei gestürzt. Ihre Bilder sind un­mittelbar, unverstellt - sie sind, was die Biografie der Künstlerin anbelangt, geprägt von einer tiefen Authentizität, die die Betrachter­Innen zum Ein­tauchen in ihre Lebensumstände einlädt. Lebensgroß ­begegnen einem die Figuren auf den großforma­tigen Bildern jüngeren Datums, die den ­Dialog mit uns auf Augenhöhe suchen. Aïcha malt sich ihre Geschichte von der Seele. In ihrer ­Bilderwelt kehrt sie zurück in ihre Kindheit und ­Jugend, meistert sie die Dinge des ­alltäglichen ­Lebens, orchestriert sie die kleinen Geschichten. Und doch ist im Hintergrund stets etwas Bedroh­liches, fast eine düstere Stimmung zu erahnen. Der Bildaufbau wirkt dabei ­klassisch, die Interaktion der Bildgegenstände ist formal völlig souverän konzipiert, die Motive teilen sich bei der Betrachtung ­unmittelbar mit. Aïcha könnte eine herausragende Akteurin der Art Brut ­gewesen sein, doch sie malt im Hier und Jetzt, so dass ihre gewaltige Bildsprache ist nicht anders als sensationell zu nennen ist.

"Community presumes deprivation."--This stated the daily Esslinger Zeitung with a headline for the opening of the superb show 'Good Space.' The show is a playfully sensory and experientially intensive exhibition essay, focuses on the formation of communities from perspectives of contemporary art. Social diversity arises, through exchange, the cohesion of societies is characterized by a unifying element, whether this is shared values or concepts of identity, whether it consists of norms or of rules. But also inherent to mutual connection is always an aspect of delimitation and exclusion. The question as to what constitutes the sense of 'we' is loaded with explosive power, also with regard to politics. So the works of art navigate along power structures with an eye to the grave and the pervasive consequences of colonialism; also coming into play are configurations of space and time in which technology and spirituality intersect; the works ask for the idea that our life is free, self-determined and filled with possibilities of self-fulfilment and put this to question with regard to its supposedly universal promise of happiness; they call for an unconditional respect for the rights of animals, whereby the underlying relationship between people and animals comes to the fore as well as light is shed on the connection between culture and nature with an inspection of plant communities; they also do witness scenes of paradoxical relationship in residential concepts of buildings designed by Brutalism; they direct our attention to the fact that films engender vivid communal experiences not just in the screening room; and we accompany the tiny, isolated community of the crew on a submarine

Paradise handbook reveals a concise insight into the genesis of the film Paradise, which director Sina Ataeian Dena managed to realize in Iran over a period of many years without filming permission and on a very small budget. The resulting footage was eventually brought out of the country and processed and finished in Berlin-Babelsberg. Paradise celebrated its premiere in 2015 in competition at the Locarno Film Festival and was subsequently awarded various prizes. The book reveals a fascinating view of how the film crew dealt creatively with the massive restrictions on filming in Iran. It breaks down, like a manual, the logistical, strategic, and technical efforts underlying the images and scenes that the team applied to circumvent the plethora of restrictions.

»STONED AGIN« »Better than de Kooning«, this title quoted for a group exhibition sounds like a terrible genre joke, because »nobody can paint better than de Kooning«, so it is an ideal title for a group show exhibition. Peter Saul paints during the mid-1970s a series of pictures of women that parodies the »Woman«-pictures (1950–53) of Willem de Kooning. He meticulously imitates the brush strokes and the impasto in a stylistic mix of Pointillism and Graffiti Art, turns up the colour regulator, and allows the abstract-expressionist painting and the women themselves to blend in a »Daliesque« manner, like soft ice cream (see the text »Un Autre Monde« by Marcus Weber and »Ice Creams, Atom Bomb, I-Screens, Data Bomb« by Esther Leslie in this book). In 2008, Saul paints another version of this cartoon-like, neon avatar and calls his painting »Better than de Kooning« …a relief of US reality. Artists: Tim Berresheim, Jana Euler, Maria Lassnig, Lee Lozano, Michel Majerus, Dieter Krieg, Katrin Plavčak, Jon Rafman, Gunter Reski, Peter Saul, Matthias Schaufler, Jim Shaw, Amy Sillman, Sue WilliamsExhibition: Villa Merkel Galerien der Stadt Esslingen: 12/9–15/11/2015

No Walk, no Art Hamish Fulton, born in London in 1946, is working on an entirely independent body of work that is rather poetic and borne by a distinguished, authentic and open-minded attitude. For over 40 years, he has been conveying and acknowledging »walking« as an art form: Walks. Fulton makes Walks in all corners of the world, such as a walk »From Coast to Coast« in the UK, for instance. They result in wall drawings and images, photos and objects capturing in a variety of ways the defining phenomena of the Walks. At the same time, according to the motto »No Walk, No Art«, they can also be read as a passive protest against the excesses of urbanization that Fulton formulates in a sympathetic, yet uncompromising way. In 1994, Hamish Fulton, for the first time, directly involved other people in his work with a Group Walk. This volume documents the nucleus of the exhibition at Villa Merkel in Esslingen (9/3–8/6/2014), the Walks recorded by the artist in recent years in Tibet and India.

Das Format „Crossing Media“ erweitert die 1989 in Esslingen gestartete Foto-Triennale zu einem Festival mit Videopräsentationen, Performances, Lesungen, Diskussionen und Konzerten. Crossover, die Verschmelzung von Gattungen und Disziplinen, beschreibt treffend die Vielfalt der aktuellen Kunst und verdeutlicht, dass es keine einheitlichen Erzählungen mehr gibt. Die Kunstwerke und Aktionen, insbesondere im Rahmen dieses Festivals, nutzen eine bühnenartige Präsentation. In der Eingangshalle der Villa überrascht eine labile Konstruktion von Banks Violette mit einem glänzenden Bühnenboden und -himmel, aus dem weiße Neonröhren zu fallen scheinen – betitelt „Kill Yourself“. Nebenan steht ein leerer Skulpturensockel auf rotem Teppich, „Public Sculpture“ von Julien Berthier, der durch die symphonischen Hammerschläge des Künstlers in eine ephemere Klangwelt eintauchen lässt. Diese Beispiele repräsentieren die 17 teilnehmenden Künstlerinnen und Künstler, die in dem umfangreichen Band versammelt sind. Weitere Teilnehmer sind Nevin Aladag, Birgit Brenner, Daniele Buetti, Kurt Caviezel, Beate Engl, Rainer Ganahl, Johan Grimonprez, Paul Harrison/John Wood, Christine Hill, Eva Kotátková, Jung Lee, Alexandra Leykauf, Atelier van Lieshout, Andres Lutz & Anders Guggisberg sowie Philippe Ramette. Die Ausstellung findet in der Villa Merkel Esslingen vom 19. Juli bis 6. Oktober 2013 statt.