Een Franse kunsthistoricus gespecialiseerd in de Renaissance en Italiaanse kunst. Zijn werk duikt dieper in het begrip van kunstwerken en hun culturele contexten, en biedt nieuwe perspectieven op deze periodes.
What happens when we look at a painting? What do we think about? What do we imagine? How can we explain, even to ourselves, what we see or think we see? And how can art historians interpret with any seriousness what they observe? This title deals with these questions.
Anselm Kiefer (b. 1945) is one of the most important and controversial artists at work in the world today. This title analyses Kiefer's education, influences, philosophy and art, while demonstrating the unity and continuity of his work.
Internationale Aufmerksamkeit und nationalen Schock löste der Künstler 1980 auf der Biennale von Venedig aus. Heute gehört sein Werk zu den beeindruckendsten der zeitgenössischen Kunst. Zentrales Thema ist die Erinnerung und ihre Ablagerungen im kollektiven Gedächtnis. In seinen frühen Arbeiten setzte er sich mit der Frage auseinander, wie man nach dem Holocaust noch ein „deutscher Künstler“ sein kann, angesichts der Vereinnahmung der nationalen kulturellen Tradition durch die NS-Ideologie. Kiefer „trauerte“ um diese verstellte Tradition in großformatigen Gemälden mit Titeln wie Deutsche Geisteshelden oder Hermannsschlacht. Anfang der 80er Jahre erweiterte sich sein thematisches Spektrum: Der Verlust von Sinn und die Unmöglichkeit, Zugang zu ihm zu finden, wurden zentrale Themen. Zudem zieht Kiefer die Mythen vieler Kulturen an – der jüdisch-christlichen, ägyptischen, orientalischen sowie der germanischen und nordischen – und verarbeitet sie in verschiedenen Bildmedien und Techniken: Fotografie, Gouache, Aquarell, Gemälde, Skulptur, Installation und Buch. 2001 veröffentlichte der französische Kunsthistoriker eine umfassende Monographie, die das Gesamtwerk seit den 60er Jahren behandelt. Diese detaillierte, reich bebilderte Studie ist mittlerweile ein Standardwerk und wird anlässlich der großen Ausstellung 2007 im Pariser Grand Palais als broschierte Sonderausgabe angeboten.
Au bref apogée de la Renaissance classique succède le triomphe du maniérisme. Destiné à devenir la langue artistique dominante du XVIᵉ siècle, celui-ci prend naissance à Florence et à Rome entre 1515 et 1525 avant de se répandre rapidement à travers toute l'Europe. Après le gothique, le maniérisme est ainsi le premier style qui possède une dimension véritablement internationale et européenne. Il n'investit pas seulement les "arts du dessin" (architecture, peinture et sculpture), il s'approprie les arts dits mineurs - mobilier, décor intérieur, art des jardins ou du vêtement - et jusqu'aux comportements sociaux : le développement des "belles manières" est intimement lié à l'idéal artistique de la maniera. Celle-ci marque aussi la littérature, la musique et les arts du spectacle. Au service de la vie fastueuse et ostentatoire que mène le prince, le maniérisme est indissociable des crises (politiques, religieuses, économiques) que traverse le pouvoir qu'il contribue à glorifier. Ses multiples paradoxes constituent une réponse - d'ordre parfois ludique, parfois magique - à l'échec qu'a connu l'optimisme messianique qui animait le "mythe de la Renaissance". Un des apports majeurs de la période est d'ailleurs la formulation d'une véritable théorie de la création artistique : la Renaissance maniériste marque la naissance d'une conscience "moderne" de l'art et de l'artiste.
Ce volume s’ouvre sur la représentation du patron de tous les peintres, saint Luc peignant la Vierge. Par cette mise en abyme, ce choix emblématique, Daniel Arasse envisage un programme qui va bien au-delà d’une simple «histoire du détail», car ce qu’il vise est la totale relecture de l’histoire de la peinture occidentale à l’aune du détail. Qu’il soit inopinément ou peu à peu découvert, identifié, scruté, isolé, voire découpé de son ensemble, le détail offre en effet une toute autre manière de voir et d’appréhender la peinture. Ainsi, grâce à cette histoire rapprochée des pratiques du pinceau et du regard, un champ nouveau se dessine, remettant en question les catégories de l’histoire de l’art qui semblent avoir été établies «de loin», sans que jamais l’érudition ne prenne le pas sur le plaisir et les «fêtes de l’œil».
Que fait-on quand on regarde une peinture ? A quoi pense-t-on ? Qu'imagine-t-on ? Comment dire, comment se dire à soi-même ce que l'on voit ou devine ? Et comment l'historien d'art peut-il interpréter sérieusement ce qu'il voit un peu, beaucoup, passionnément ou pas du tout ? En six courtes fictions narratives qui se présentent comme autant d'enquêtes sur des évidences du visible, de Velázquez à Titien, de Bruegel à Tintoret, Daniel Arasse propose des aventures du regard. Un seul point commun entre les tableaux envisagés : la peinture y révèle sa puissance en nous éblouissant, en démontrant que nous ne voyons rien de ce qu'elle nous montre. On n'y voit rien ! Mais ce rien, ce n'est pas rien. Écrit par un des historiens d'art les plus brillants d'aujourd'hui, ce livre adopte un ton vif, libre et drôle pour aborder le savoir sans fin que la peinture nous délivre à travers les siècles.
Один из ярчайших французских историков искусства второй половины XX века Даниэль Арасс (1944–2003) в своей небольшой книге, впервые опубликованной в 2000 году, подвергает пристальному анализу несколько классических произведений живописи XVI–XVII веков, в том числе такие хрестоматийные, как «Венера Урбинская» Тициана и «Менины» Веласкеса. Построенная в форме писем ученице, написанная непринужденно и увлекательно, книга показывает, какое большое значение могут иметь в искусстве самые незначительные, на первый взгляд, детали и каким плодотворным оказывается применительно к ним иконологический подход с элементами семиотики.
Questa pubblicazione dell'Institut du Dessin segna l'inizio di una partnership con il Museo Europeo del Disegno, mirata a esplorare la scienza del disegno in diverse forme. Il programma include mostre, seminari e progetti educativi, promuovendo incontri interdisciplinari e pratiche culturali creative.