Een Franse kunsthistoricus gespecialiseerd in de Renaissance en Italiaanse kunst. Zijn werk duikt dieper in het begrip van kunstwerken en hun culturele contexten, en biedt nieuwe perspectieven op deze periodes.
This monograph uses a thematic and chronologial approach to explore the many facets of Anselm Kiefer's work. By examining his influences, style and recurring motifs, Daniel Arasse highlights Kiefer's rich culture and his philosophical and artistic practice, while demonstrating the unity and continuity in his work that transcends any linear concept of time.
Through a historical analysis of Vermeer's production methods and a close reading of his art, Daniel Arasse explores the originality of this artist within seventeenth-century Dutch painting. He argues that Vermeer was not a conventional painter like his Dutch contemporaries, but rather engaged in a personal and ambitious effort to redefine pictorial practice within the classical tradition. Arasse finds that Vermeer’s approach to image-making reveals painting as a medium through which viewers sense the elusive and mysterious presence of life. This concept not only continues the traditions of Classical Antiquity and the High Renaissance but also connects to Catholic ideas about spiritual meditation and the power of images. Although Vermeer often employs secular subject matter common among his peers, his treatment of iconography, light, and line significantly differs. Iconographical elements in his works tend to hold meaning in suspense rather than clarify; dazzling light emanates from interior objects, and sfumato evokes the presence of objects without direct depiction. By discussing these features, Arasse identifies Vermeer’s genius in the reflexive, meditative quality of his works, each of which appears to be a painting about painting itself.
What happens when we look at a painting? What do we think about? What do we imagine? How can we explain, even to ourselves, what we see or think we see? And how can art historians interpret with any seriousness what they observe? This title deals with these questions.
Anselm Kiefer (b. 1945) is one of the most important and controversial artists at work in the world today. This title analyses Kiefer's education, influences, philosophy and art, while demonstrating the unity and continuity of his work.
Au bref apogée de la Renaissance classique succède le triomphe du maniérisme. Destiné à devenir la langue artistique dominante du XVIᵉ siècle, celui-ci prend naissance à Florence et à Rome entre 1515 et 1525 avant de se répandre rapidement à travers toute l'Europe. Après le gothique, le maniérisme est ainsi le premier style qui possède une dimension véritablement internationale et européenne. Il n'investit pas seulement les "arts du dessin" (architecture, peinture et sculpture), il s'approprie les arts dits mineurs - mobilier, décor intérieur, art des jardins ou du vêtement - et jusqu'aux comportements sociaux : le développement des "belles manières" est intimement lié à l'idéal artistique de la maniera. Celle-ci marque aussi la littérature, la musique et les arts du spectacle. Au service de la vie fastueuse et ostentatoire que mène le prince, le maniérisme est indissociable des crises (politiques, religieuses, économiques) que traverse le pouvoir qu'il contribue à glorifier. Ses multiples paradoxes constituent une réponse - d'ordre parfois ludique, parfois magique - à l'échec qu'a connu l'optimisme messianique qui animait le "mythe de la Renaissance". Un des apports majeurs de la période est d'ailleurs la formulation d'une véritable théorie de la création artistique : la Renaissance maniériste marque la naissance d'une conscience "moderne" de l'art et de l'artiste.
Avec l'enthousiasme, l'audace et l'érudition qui, dans la même collection, ont fait le succès d'On n'y voit rien. Descriptions (no 417), Daniel Arasse invite son lecteur à une traversée de l'histoire de la peinture sur six siècles, depuis l'invention de la perspective jusqu'à la disparition de la figure. Evoquant de grandes problématiques - la perspective, l'Annonciation, le statut du détail, les heurs et malheurs de l'anachronisme, la restauration et les conditions de visibilité et d'exposition - mais aussi des peintres ou des tableaux précis, il fait revivre avec perspicacité et ferveur plusieurs moments clés, comme Léonard de Vinci, Michel-Ange, le maniérisme, ou encore Vermeer, Ingres, Manet. Son analyse se nourrit constamment d'exemples concrets - La Madone Sixtine de Raphaël, La Joconde, la Chambre des époux, de Mantegna, Le Verrou de Fragonard... - avant de conclure sur quelques aspects de l'art contemporain. Le lecteur retrouvera le goût de mieux voir de grands épisodes de la peinture, grâce à une approche sensible et ouverte. Toujours il sera surpris, réveillé, entraîné dans un véritable enchantement d'intelligence et d'humour. Ce livre est la transcription de vingt-cinq émissions proposées par l'auteur sur France Culture pendant l'été 2003.
Ce volume s’ouvre sur la représentation du patron de tous les peintres, saint Luc peignant la Vierge. Par cette mise en abyme, ce choix emblématique, Daniel Arasse envisage un programme qui va bien au-delà d’une simple «histoire du détail», car ce qu’il vise est la totale relecture de l’histoire de la peinture occidentale à l’aune du détail. Qu’il soit inopinément ou peu à peu découvert, identifié, scruté, isolé, voire découpé de son ensemble, le détail offre en effet une toute autre manière de voir et d’appréhender la peinture. Ainsi, grâce à cette histoire rapprochée des pratiques du pinceau et du regard, un champ nouveau se dessine, remettant en question les catégories de l’histoire de l’art qui semblent avoir été établies «de loin», sans que jamais l’érudition ne prenne le pas sur le plaisir et les «fêtes de l’œil».
Un cardinal qui n’aimait pas le Jugement Dernier de Michel-Ange fut bien puni par le peintre, qui fit son portrait en Lucifer. L’anecdote est savoureuse et instructive, mais elle ne montre pas seulement l’indépendance d’esprit du plus grand artiste de la Renaissance. Pour Daniel Arasse, elle est révélatrice d’une évolution culturelle majeure : la disparition de la figure du Diable dans la peinture. Grâce à un examen précis et inventif des textes religieux et des images de la fin du Moyen Âge et de la Renaissance, il décrit ici l’émergence de l’image du Diable, son utilisation et son essor, dans le cadre de pratiques dévotionnelles où les images se doivent d’être efficaces. Puis il montre comment la culture humaniste a rendu caduque cette figure médiévale, et l’a reléguée au rang de superstition. Dorénavant le Diable n’est plus l’Autre de l’homme, le Diable est en l’homme.
Один из ярчайших французских историков искусства второй половины XX века Даниэль Арасс (1944–2003) в своей небольшой книге, впервые опубликованной в 2000 году, подвергает пристальному анализу несколько классических произведений живописи XVI–XVII веков, в том числе такие хрестоматийные, как «Венера Урбинская» Тициана и «Менины» Веласкеса. Построенная в форме писем ученице, написанная непринужденно и увлекательно, книга показывает, какое большое значение могут иметь в искусстве самые незначительные, на первый взгляд, детали и каким плодотворным оказывается применительно к ним иконологический подход с элементами семиотики.
Questa pubblicazione dell'Institut du Dessin segna l'inizio di una partnership con il Museo Europeo del Disegno, mirata a esplorare la scienza del disegno in diverse forme. Il programma include mostre, seminari e progetti educativi, promuovendo incontri interdisciplinari e pratiche culturali creative.
Nichts ist selbstverständlicher als die Betrachtung eines Kunstwerkes - es lässt sich doch alles mit einem Blick erkennen. "Keineswegs!" Einer der renommiertesten Kunsthistoriker unserer Tage - Daniel Arasse - zeigt, dass nur wer genau hinsieht, auch entdeckt, was die Meister vor unserem flüchtigen Blick verbergen. Es gelingt ihm, den Sinn des Betrachters zu schärfen und in den sechs von einander unabhängigen Essays den Leser direkt anzusprechen, die Spannung zu halten und fernab jeder trockenen Argumantation hinzuführen zu Pointierungen und Schlussfolgerungen, die auch Laien leicht zugänglich sind.
Sämtliche Gemälde und eine große Auswahl der berühmten Zeichnungen in mehr als 300 größtenteils farbigen Abbildungen. Arasse bezieht die Forschungen der letzten Jahre in seinen Text mit leichter Hand ein und zeigt uns einen neuen Leonardo ohne Mythos und Magie – eine außergewöhnliche Persönlichkeit in ihrer Zeit.
